27 sept. 2017

Ring de Teatro Escuela Itinerante



Ring de Teatro Escuela Itinerante
Curso Actuar escribiendo
Imparte: Jorge Picó                                                

3 jornadas de 8 horas cada jornada.
Dirigido a actores y actrices profesionales.

Objetivos de las jornadas

Trabajar en grupo los mecanismos del teatro de creación a través del arte del actor considerándolo como actor-autor y trabajando la improvisación como fuente de escritura.
Dotar al interprete de herramientas para la creación, buscando nuevos marcos de escritura teatral.

Ejes de las jornadas

El análisis del movimiento. Ejercicios. Leer las escenas a través del cuerpo del actor.
Vocabulario actoral: estados actorales, acciones físicas, el status actoral…
 Los disparadores de escritura: situaciones, marcos de acción, personaje, objetos…
 La imaginación, esa preciosa llave que nos libera de la cárcel del aburrimiento.
 Improvisar y escribir. Tácticas y técnicas.
 El humor, un estilo que humaniza.

Organiza ARTEKALE
Encuentro Profesionales de las Artes de Calle en Euskadi
Kale-Arteen Topaketa Profesionalak Euskadin

Idazkaritza Teknikoa/Secretaría Técnica
Marta Alvarez
info@artekale.org
www.artekale.org
https://reaj.com/albergues/juvenil-ulia/



El nostre director artístic convidat per la Associació TTP de Catalunya

Itinerario 1, taller de creación con Jorge Picó

Martes 26 (de 10 a 14 h. y de 16 a 20 h.) y miércoles 27 (de 10 a 14 h.)
Exprimir ideas y servir el zumo al espectador
Lo que os propongo es que trabajemos juntos alrededor de una idea y que le demos cuerpo para que comunique al espectador. ¿Qué nos ayuda a escoger los temas de nuestros espectáculos? ¿Qué es mejor, comunicar o expresarse? ¿Son incompatibles la expresión con la comunicación? ¿Qué aporta trabajar para niños? ¿Se puede ser pedagógico sin aburrir? Parece que todo el mundo está de acuerdo en la imaginación es un músculo muy importante para los creadores teatrales, pero… ¿en qué consiste?

Más info 

25 ago. 2017

In the wars, director's and writer's note

Director’s note: Jorge Picó
I see In The Wars as a book of short stories. I love this contract one establishes with the audience: first one story, then the second one… In our case you can count until six because this is the number of stories that we are going to present to you. Many things have been said about the significance of telling stories: to answer questions that we haven’t already put to ourselves; to take us to some places the names of which we still don’t know; to create disorder in a world ordered by the most powerful... Stories can talk about love, pain, and the unknown better than philosophy or any other discipline can do. In our case we have used a classical device in literature: to put a secondary character of several wars in the forefront: a dog, a barbie, a ring, an unknown daughter… Because this is another power of literature converted into theatre: to give voice to the ones that normally don’t have it. All done with the art of the invisible stitching.

Writer and actor’s note: Juliet O’Brien
Two years ago I had the privilege of seeing the photography exhibition, " The most Important Thing" by Brian Sokol. This exhibition was a collection of photos the subjects of which were exiles holding the most important thing they could take with them when leaving their homes. There was a woman holding a ring, a young boy, a monkey, a disabled woman seated on her wheel chair and then there was one little girl who looked to the camera with the utmost dignity, positioning her empty hands in the air as if holding an invisible object. The photographer asked her what her object was, she replied: "It's my doll I left behind." It was an extraordinary coincidence as at the time I was already writing and working with the idea that I would tell stories through the prism of an object or form other than human. From this particular photo however the scene of Leila and her abandoned doll was born.

At the heart of In the Wars are the stories of little boys and girls and fathers and mothers who have to flee their homes in search of a  better life and in search of that one precious commodity, safety. The stories cover multiple territories: Iraq, Palestine, Rwanda, Afghanistan, Chechnya, New Zealand and France. Jorge Picó and I have endeavoured in this collection of tales to put light on the territories of love in these territories of war and to treat these stories from another perspective in order to find another door in to the complexity of War. A mother in the play says, "You have never known war." This play is dedicated to the mothers who have never known peace.

Creative team
Writer and actor: Juliet O’Brien
Director: Jorge Picó
Music composer: Gareth Farr
Set designer: Wai Mihinui
Lighting designer and operator: Jennifer Lal
Assistant director: Finn Shepherd
Producer: Sophie Lindsay
Publicist: Cherie Jacobson
Graphic designer: Elise Wilk
Costume designer: Fabienne Desfleches
Lighting operator: Michael Trigg
Carpenters: Andrew Gibson and Blair Ryan

Acknowledgements

David Geary, Isabelle Labrousse, Helen Moulder, Maria Buchanan, Mary O’Brien and Tim O’Brien, Miranda Harcourt, Jonathon Hendry, Ken Duncum, Peter Hambleton, Tina Cleary, Kerryn Palmer, Vicente Mas, Bridget Hargreaves, Gustavo Garcia Rodriguez, Nathan McKendry and the team at Taki Rua, Nathalie Buckrell and the team at Alliance Française Wellington, Stephen and Katrina Drew, Théâtre de la Jacquerie, Théâtre Romain Rolland, Xochitl de León, Col.legi del Teatre de Barcelona


Our sponsors – a special thank you

Creative New Zealand
New Zealand-France Friendship Fund
Embassy of Spain to New Zealand

18 ago. 2017

In the wars, "profundamente humana, no hay que perdérsela"

DEEPLY INSIGHTFUL, PROFOUNDLY HUMANE AND NOT TO BE MISSED


IN THE WARS
Written and performed by Juliet O’Brien
Directed by Jorge Picó
Original music by Gareth Farr
Presented by Plateforme Théâtre

at BATS Theatre, The Propeller Stage, 1 Kent Tce, Wellington
Until 26 Aug 2017
[1 hr 10 mins]

Reviewed by John Smythe, 18 Aug 2017


We've been steeped in war stories since the 2014 centenary of Britain's declaration of War against Germany in August 1914: ‘The Great War'; ‘The War to End All Wars'. Yeah right. Do I need to list all the wars since? Along with the books, plays, feature films, television dramas and documentaries, the daily news is littered with reports from contemporary war zones, not to mention warnings of impending possibilities.

If you think you're ‘all warred out', however, fear not. In The Wars is a completely different take on the theme. Terms like ‘unintended consequences', ‘innocent victims', ‘collateral damage' and even ‘trickle-down effect' offer themselves as common denominators of the six stories that comprise this insightful solo show.

The set, by Wai Mihinui, is the first surprise: towering panels clad in high quality wallpaper that denote comfort and elegance – except for the odd angles, judiciously accentuated at appropriate moments by Jennifer Lal's lighting design. A long, narrow table has heavy, industrial legs at one end and classic turned wooden legs at the other; a plain chair at one end and a fancy one at the other are juxtaposed with an elegant tea set versus a single cup and saucer.

A glaring but silent brightness punctuates some scene transitions. Does it herald a new dawn of hope or yet another distant missile obliterating its target (or perhaps missing it and striking civilians, as so often happens)? Gareth Farr's music and soundscape contrast the ebullience of creativeness with the dull and resonant roar of destruction. Paradox riddles this play.

Writer/actor Juliet O'Brien has worked with her co-graduate from École Jacques Lecoq, director Jorge Picó, to develop In The Wars and, unlike The Letter Writer which premiered in France before gracing the 2010 NZ Festival, this world premiere was designed and rehearsed in Wellington.

The six different perspectives, all based on true stories, are ingeniously wrought to challenge our grey-matter before they engage our emotions. A gently rendered physicality informs and distinguishes each iteration, drawing us in without making a spectacle of itself.

Spoiler alert? I cannot discuss this show further without interpreting elements that are revealed subtly and intriguingly, although there is plenty more that I won't expose. The short message is, go: it's highly recommended. Read on or not as you choose.

Nothing is more innocent than a soon-to-be born baby. Hasha has gleaned her name from the conversations the “warmths” have in the unknown outside world. We become aware her mother is Yaeda, her father is Yiden and they are in Iraq. And everything that's happening is ‘normal': the way it is. In counterpoint to her non-judgemental awareness, we are left to interpret and judge the objective reality of what she is being born into.

O'Brien personifies a Barbie Doll, donated to war orphans by an American child and brought to Gaza by an NGO, to offer the next telling contrast: broken nails versus smashed buildings; the delicacy of a tea party v the brutality of bulldozers clearing rubble. Again our understanding of the reality differs dramatically from hers (i.e. Barbie's) and the space between is where we discover, or rather create, the truth.

Two boots represent the deceased father of a Rwandan woman, determined to get him out to the middle of a lake rather than bury him in their war-torn land. The eloquence of the daughter's language and her abiding love compel us work to comprehend the atrocities that have led to this moment.

Who knew War Dogs sometimes need therapy? Here O'Brien morphs into a somewhat stressed ‘shrink' who used to work in Cincinnati and now tends a whimpering ‘Hero dog' somewhere in the Middle East. Then she is floppy-eared ‘Corporal Brenda' herself, recreating the mine-detection mission that has traumatised her.

Epaulets clipped onto her basic khaki (costume design by Fabienne Desfleches) signifies the next transition into a soldier in Chechnya, although the focus turns to a large gold ring and the quest to win a hand in marriage. The ring's story harks back to Jason and the Golden Fleece; romance is undercut with mention of a father who taught fear and hatred (plus ça change, plus c'est la même chose); the question arises as to where true value lies ... The ring reveals eternal truths as it lies in the ruins of war.

The final and most text-based scene brings a New Zealand perspective to war, wherein one Eileen Ramsay utilises the framed photo of a cavalry man and a carefully preserved jacket to appraise her daughter Rita of people and family histories yet to be recognised by Google. Her heartfelt, “I am so happy that you have never known war” reminds us how lucky we are, at the so-called ‘bottom of the world' – a state wittily emphasised, to continue the inversions, with a poignant rendition of The Carpenters' ‘Top Of The World'.

We are a quiet and attentive audience, this second night. If ‘comedy is truth plus pain' there is plenty of that, in principle, although ‘comedy of insight' may be a better descriptor. But it's not geared to make us laugh out loud. Our compulsion to search beyond the deceptively whimsical ‘windows' – somewhat warped and playfully reflective – tends to divert any rising mirth.

In The Wars is deeply insightful, profoundly humane and not to be missed.
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17 ago. 2017

¡In the wars, estrenada!

Aquí tenéis a casi todo el equipo de In the wars de Juliet O'Brien. Estamos muy contentos de colaborar en esta producción y con este magnífico equipo de kiwis. Seguimos en el Bats Theatre de Wellington

5 ago. 2017

El personaje es morada

Para el actor su personaje es morada y nunca instalación. En la morada podemos compartir esperanza, misterio y sobrecogimiento con el público. En la instalación únicamente aburrimiento. Notas trabajo "In the Wars", Wellington

20 jul. 2017

Bats Theatre

El teatro donde estamos trabajando ahora, "cozy" le llaman los ingleses. In the wars, seguimos ensayando para el día 15 de agosto.

9 jul. 2017

In the wars, la nueva colaboración de Ring de Teatro

Directed by award-winning Spanish Director Jorge Picó with original music by one of New Zealand's most celebrated composers, Gareth FarrIn the Wars will surprise, move and delight its audiences.

24 jun. 2017

26 abr. 2017

30/40 Livingstone pare, un cérvol! Altra bona crítica al Teatre Poliorama


readymadeproductions.com


30/40 Livingstone pare, un cérvol!
Escrit per Anna Mestre

COMÈDIA. Direcció: Jorge Picó i Sergi López. Intèrprets: Sergi López i Jorge Picó/David Climent. Espai escènic: Jorge Picó i Sergi López. Disseny de llums: Lionel Spycher. Creació musical: Oscar Roig. Vestuari i acompanyament escènic: Pascual Peris. Disseny del casc: Amadeu Farré i Mas. Realització del casc: Clap Realitzacions S.L. Construcció escenografia: Rall S.L. Equip tècnic: Xavi Muñoz, Bernat Tresserra, Anna Boix, Oriol Agut. Fotografia: David Ruano. Disseny gràfic: Bildi Grafiks. Producció executiva: Xochitl de León. Producció: Setzefetges Associats, S.L. Coproducció: Ring de teatro i Temporada Alta. Col·laboració: Teatre Principal de Vilanova i la Geltrú.

Ens passem la vida buscant; buscant alguna cosa que no sabem exactament què és i que, precisament per això, l’acabem convertint en un mite, en el nostre McGuffin particular. Una sensació, un lloc, un sabor... en el cas de “30/40 Livingstone”, és un animal, l’animal dels animals, aquell de qui totes les escriptures parlen. En realitat, un ésser que no és res més que un somni, una idea , una il·lusió, com tot allò que cerquem a la vida.

Amb aquesta premissa de la recerca “de lo meu” – citant textualment el protagonista – l’obra es planteja com un viatge iniciàtic d’aquest explorador, encarnat per Sergi López, que el que més desitja en aquest món és no assemblar-se al seu pare. Una figura sense ambició, caçador i taxidermista que es dedica a mirar partits de tenis per la televisió; bonica i planera metàfora d’un esperit racional que no creu en somnis ni ideals, conformista i despreocupat que, senzillament, “les va veient passar”: esquerra, dreta, esquerra, dreta, esquerra...

A través d’aquesta història platejada quasi com un conte, pel to i per l’escenografia senzilla i onírica, Jorge Picó (@jorgepicopuch) i Sergi López (@SergiLopez_act) aprofiten hàbilment per introduir temes, polèmiques i qüestions que, sens dubte “amb un xic més de sucre” s’empassen molt millor. En aquest sentit, cal felicitar la valentia d’aquest binomi màgic per parlar, sense pèls a la llengua, de noms ben concrets i de riure’s de tot i de tothom amb l’objectiu de fer una crítica global del moment que estem vivint. Hi surt malparat tothom: el govern central, els manifestants del 15M, el poder judicial, els VIPS del Village, el torneig del Compte de Godó, n’Urdangarín... Tot un reguitzell de noms propis que ressonaven amb força, atenció!, l’any 2011 – any d’estrena de l’espectacle – i que, per desgràcia, encara ressonen amb força a dia d’avui, sis anys després.

D’aquesta manera, “30/40 Livingstone” no és el que sembla i, sota l’aparença de ser una comèdia esbojarrada i surrealista, llença dards enverinats amb una punteria excel·lent i amb molt mala bava. En la mateixa línia, després d’untar el públic amb escenes absurdes però hilarants, Picó i López serveixen sense pietat un final cítric del tot determinista i, per tant, exasperant. Després de donar l’oportunitat al protagonista de realitzar aquesta recerca insaciable de manera lliure i despreocupada, i fins i tot de rebre la recompensa de la troballa de la seva Moby Dick particular, al final es veu abocat tràgicament al fat del qual ha estat fugint els 80 minuts anteriors.

En realitat, per més determinista i tràgic que sigui aquest final, és sense dubte el millor de tots els possibles. És el que li atorga sentit a tota la peça, el cop d’efecte que la capgira per fer que l’espectador s’adoni del que realment ha passat mentre es dedicava a eixugar-se tranquil·lament les llàgrimes de riure que li relliscaven galtes avall.

Cal destacar en aquest punt la bellesa de les interpretacions de Sergi López i David Climent. D’una banda, la bellesa plàstica dels gràcils moviments del senyor Cérvol; i de l’altra, la bellesa nascuda de la imperfecció i la incorrecció de López en tot allò que expressa, ja sigui verbal o corporalment. Aquesta bellesa d’allò lliure, impune, de la capacitat de riure’s d’un mateix, que resulta fascinant i captivadora i que, sens dubte, consagra Sergi López com un dels grandíssims actors d’aquest país.

En definitiva doncs, “30/40 Livingstone” és un conte divertit i tràgic alhora, però sobretot irreverent que farà que l’espectador s’adoni de moltes coses, se’n qüestioni moltes altres i, a més, passi una bona estona i gaudeixi del teatre contemporani. Un espectacle que, tant per la forma com (malauradament) pel contingut, ha envellit molt bé i es postula com una de les crítiques de la societat del segle XXI – encara sumida en una profunda crisi de valors – més oportuna, àcida i hilarant del moment.

Una crítica d’Anna Mestre | @anna_mestreseg

20 abr. 2017

30/40 Livingstone al Teatre Poliorama Desternillante (y antropológica) búsqueda del Yo

20.04.2017
Críticas
Por Fernando Solla
@fer_solla
Sergi López recupera 30/40 Livingstone en el Teatre Poliorama. En perfecta armonía con las representaciones de “Non Solum”, asistimos a la constatación de la validez de esta función a día de hoy. No sólo se mantiene sino que la significación de la propuesta en un contexto geopolítico y social adquiere, si cabe, mayor relevancia que en el momento de su estreno.

Nos encontramos ante un espectáculo que tiene más puntos en común con su compañero de cartel de los que pueda parecer a simple vista. El juego empieza con el título, situando en un mismo plano gramatical el sistema de puntuación en tenis y la figura de David Livingstone, considerado una de las figuras más representativas de la historia de la exploración. Usado únicamente como principal figura retórica, la alusión consiste en emularlo a partir de la figura de un adulto que necesita aliviar su inquietud vital de explorar el mundo más allá del cuadrilátero del campo de tenis o del salón de casa de su padre. Se tendrán en cuenta tanto las especialidades geológicas y zoológicas y el conocimiento de la cartografía africana del personaje titular, siempre integradas a través del espacio sonoro (atractiva la composición musical de Oscar Roig) o del trabajo corporal de la pareja protagonista. Sorprendente y cautivador desde el primer al último minuto.

De repente, el espectáculo ofrecerá al espectador la capacidad de sumergirse en las múltiples capas que se consiguen evocar. El existencialismo seguirá presente en la necesidad del protagonista de distanciarse de la figura paterna para, progresivamente, asistir a la perpetuación de una manera de comportarse y enfrentarse al mundo. Sergi López y Jorge Picó no sólo comparten escenario, sino también la dirección de la propuesta. Sobre el primero recaerá la defensa del texto y el segundo personificará y dotará de humanidad a la figura de un ciervo. El entendimiento entre ambos es tal que podemos afirmar que nos encontramos ante un espectáculo multidisciplinar, ya que hay una parte coreográfica donde la expresión corporal resulta crucial y, sobretodo, perfectamente integrada en el desarrollo de la narración.

La interpretación de ambos es excepcional, siempre apoyándose el uno en el otro. La elocuencia del silencio gracias al trabajo físico de Picó es tan asertiva como alegórica. De una poética máxima pero plenamente partícipe del tono cómico de la pieza. Sergi López sorprende por su capacidad comunicativa, que va mucho más allá de sus habilidades lingüísticas. La musicalidad de su voz y entonación son un arma que, en combinación con un dominio del gesto y la pantomima que nos hacen vez a un actor de método, terminan por convertirle en un espectáculo en sí mismo. El trabajo corporal también resulta encomiable. Su mayor hazaña consiste en transmitirnos todo el espectro de registros que se evocan en 30/40 Livingstone: siempre a partir de la comedia sin tapujos (llegando a la burla esperpéntica en algunos momentos) será capaz de mostrar todo lo descrito hasta aquí. Tanto López como Picó redefinen tanto al género cómico como el concepto de espectáculo unipersonal que teníamos hasta ahora.

La delimitación del espacio escénico, diseñado también por Picó y López, nos trasladan a un campo de césped artificial. Una butaca situada en un extremo será el único objeto que veremos en escena. Muy importante el trabajo de objetivación – personificación que se realiza a través del mismo y de la imagen o figura paterna que simboliza durante la representación. El resto del espacio se mantendrá despejado como en un espectáculo de danza, para que los personajes se puedan desplazar por él con total amplitud. El diseño de luces de Lionel Spycher resulta un cómplice imprescindible para delimitar parcelas más pequeñas (siempre enfatizando y apoyando el desarrollo dramático, así como el talante de los personajes emulados). El uso del rojo en algunos momentos contrastará estéticamente, favoreciendo de nuevo el impacto de la obra. Sutil y muy acertada labor en este terreno.

24 mar. 2017

Poliorama, compte enrera...

Sergi López torna a Barcelona amb una doble temporada de #NonSolum #3040Livingstone
https://t.co/jR5mdx6I0r https://t.co/NT6bBBn1fq

20 mar. 2017

Non Solum i 30/40 Livingstone al Teatre Poliorama

Foto David Ruano

Tornem al Teatre Poliorama però per primera vegada amb dos espectacles. A partir del 29 de març Non Solum i 30/40 Livingstone. Ens veiem al teatre? Aquí pots comprar la teva entrada.

11 feb. 2017

Non Solum a la Rambleta de València

@JJferdez: Impresionado con Sergi López y su obra Non Solum. Un tremendo actor y la expresion mas bella y rotunda de un enorme trabajo. Agradecido

@mariajosehmora: Casi dos horas de "Non Solum" de Sergi López en @La_Rambleta #Poderoso

@SrAzul: Non Solum increíble, Sergi López sideral. Gracias a @La_Rambleta por poderla disfrutar de nuevo en Valencia en V.O. https://t.co/zezh4NpY8o

@finnonna: Fantàstic! Magnífic Sergi López!
Non Solum! A @La_Rambleta https://t.co/OjHPUQjdsf

Entrevista a Jorge Picó en el Diari Levante 10/2/2017


Sergi López “Escric teatre pel seu poder per a qüestionar el poder”

“Quan faig de pallasso, al final el que acaba sortint són coses de tu encara que no vulgues. A vegades, m’enfado i em fique nerviós, però a la gent li sembla que sóc una mica còmic”. I eixa precisament és la faceta dramàtica que trobem en Non Solum, l’obra escrita a quatre mans junt amb el seu col·lega valencià Jorge Picó (València, 1968): “Treballem bé junts, però som tan diferents físicament i estructuralment! És inexplicable, és com les parelles que duren i ningú sap perquè. Ens vam conéixer en l’escola internacional de teatre del mestre Lecoq i després de molt de temps vam començar a treballar junts. No sabíem quant duraria i ja anem pel tercer projecte”.

llegir entrevista

9 ene. 2017

Jorge Picó escribe sobre un libro de Bauman en el día de su muerte

No me dio tiempo de despedirme de Piglia, que casi se juntó con Berger y ahora Bauman... En el 2011 publicó este libro, La cultura en el mundo de la modernidad líquida que es una joyita para navegantes del mundo de la cultura. En él encontraréis notas del peregrinar de la Cultura a lo largo de la historia: desde el Wildeano concepto de "los elegidos tocados por la belleza" hasta San Bordieu que pone patas arriba la cultura nacida con la ilustración (refinement, Bildung) y nos explica que es un instrumento útil bien pensado para marcar diferencias de clase, una fuerza “socialmente conservadora”, contrariamente a los beneficios desinteresados que hablaba Kant. Para los modernos, explica Bauman, la cultura era vista como una misión que era preciso emprender.  (seguir leyendo en el muro de la web de Jorge Picó)

Torna Non Solum a València, només 2 dies.

Tornem a València al Teatre de la Rambleta, el 11 i 12 de febrer.